É oficial: 2019 foi o ano de María Medem . Foram doze meses em que, subitamente, o estilo reconhecível (e já bem conhecido) da artista apareceu mesmo nos cantos mais inesperados. Não é apenas a sevilhana que transformou a conta do Instagram num must-see, com mais de cem mil seguidores, mas também publicou a sua aclamada banda desenhada Cenit e lançou-se em colaborações internacionais. Os seus trabalhos foram publicados no The New York Times, o que pode ser considerado um dos seus auges. Mas também tornou-se particularmente popular quando diferentes artistas do mundo da música a procuraram para ilustrar os seus discos, desde o indie de Jay Som até ao indie rock mais massivo de Bombay Bicylcle Club.
E isso foi apenas o começo... Mas atenção, porque embora este seja o começo para esta artista, não significa que ela seja a única com este estilo. Tampouco a primeira. Grandes superfícies coloridas, gradientes e contrastes não naturais, linhas limpas, pureza de formas... Assim é o estilo de María Medem. Mas é um estilo que pode ser traçado com uma linha genealógica com duas paragens fundamentais. Primeiro, Olivier Schrauwen , ilustrador e autor de bandas desenhadas populares graças a Arsène Schrauwen , uma série de novelas gráficas em que ele retratou a biografia do seu avô e onde este estilo gráfico é muito mais do que presente. E, se Olivier é a paragem anterior a Medem, é inevitável considerar Raymond Pettibon como a estação de partida. Embora, afinal, não é Pettibon o ponto de origem de tantas outras tendências estéticas das últimas décadas?
A meio caminho entre a banda desenhada e a pop-art, navegando na parte de trás da vinheta num mar que separa a arte do design, existem muitos outros autores além de Medem. Autores como, por exemplo, Jesse Jacobs e os seus mundos extraterrestres surreais. Também Wenkai Mao e as suas cenas de sonho futuristas. Embora, curiosamente, este seja um estilo sublimado nas mãos de artistas espanholas... Ana Galvañ , por exemplo, afasta-se do minimalismo para explorar retábulos barrocos cheios de sentidos estéticos duplos. E Cristina Daura aposta numa poética visual menos etérea e mais terrena, às vezes até agressiva. Seja como for, todos eles estão a explorar um terreno incomum que nos obriga a considerar que, se na década anterior vivemos o debate sobre os limites na relação entre design e arte, é provável que nos dez anos que temos em diante a pergunta seja aonde termina a arte e começa a banda desenhada. E o vice-versa também.
