C'est officiel : 2019 a été l'année de María Medem . Douze mois au cours desquels, soudainement, le style reconnaissable (et maintenant archi connu) de l'artiste fait son apparition même dans les recoins les plus inattendus. Ce n'est plus seulement que la sevillaine a transformé son compte Instagram en un incontournable avec plus de cent mille followers, mais elle a également publié sa célèbre bande dessinée Cenit et s'est lancée dans des collaborations internationales. Ses œuvres ont paru dans le New York Times, ce qui peut être considéré comme un sommet en soi. Mais elle est également devenu particulièrement populaire lorsque différents artistes du monde de la musique se sont tournés vers elle pour illustrer leurs albums, de l'indie de Jay Som au rock indé le plus massif du Bombay Bicycle Club.
Et ce n'est que le début... Mais attention, car, que ce ne soit que le début pour cette artiste ne veut pas dire qu'elle soit la seule à avoir ce style. Ce n'est pas non plus la première. De grandes surfaces colorées, dégradés et contrastes contre nature, lignes épurées, pureté des formes... C'est le style de María Medem. Mais c'est un style qui peut être tracé dans une ligne généalogique avec deux arrêts fondamentaux. Tout d'abord, Olivier Schrauwen , illustrateur et auteur de bandes dessinées populaires grâce à Arsène Schrauwen , une série de romans graphiques dans laquelle il dépeint la biographie de son grand-père et où ce style graphique est bien plus que présent. Et, si Olivier est l'arrêt juste avant Medem, il est inévitable de considérer Raymond Pettibon comme la gare de départ. Bien que, après tout, Pettibon n'est-il pas le point d'origine de tant d'autres tendances esthétiques des dernières décennies ?
A mi-chemin entre la bande dessinée et le pop-art, surfant au dos de la vignette dans une mer qui sépare l'art du design, il y a bien d'autres auteurs que Medem. Des auteurs tels que Jesse Jacobs et ses mondes extraterrestres surréalistes. Ou encore Wenkai Mao et ses scènes futuristes oniriques. Bien que, curieusement, ce style soit sublimé entre les mains d'artistes espagnols... Ana Galvañ , par exemple, s'éloigne du minimalisme pour explorer des retables baroques pleins de doubles sens esthétiques. Et Cristina Daura s'est engagée dans une poétique visuelle moins éthérée et plus terrestre, parfois même agressive. Quoi qu'il en soit, ils explorent tous un terrain inhabituel qui nous oblige à considérer que, si durant la décennie précédente nous vivions le débat sur les limites de la relation entre le design et l'art, il est probable que dans les dix années à suivre, la question soit : Où se termine l'art et où commence la bande dessinée ? Et vice versa.
